Pop-Art

“En el futuro, todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a quince minutos de gloria”.

                                                                                                         Andy Warhol

El Pop-Art es un movimiento artístico que surge a fines de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como una reacción contraria al expresionismo abstracto, que era considerado un estilo sin contenido y exclusivo para las élites sociales. Se caracteriza por el uso de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de los medios de comunicación masivos. Más allá de ser un estilo artístico, es un estilo de vida; la manifestación de una cultura caracterizada por la tecnología, la moda, el consumo y la producción en serie de los objetos, dejando así de ser únicos.

El Pop-Art utiliza los elementos que antes no habían sido considerados dentro del mundo del arte: los objetos industriales, los carteles, los dibujos animados, el cómic, las ilustraciones de las revistas, la comida rápida y el mobiliario de las casas y cocinas. El tamaño de las obras se vuelve cada vez más espectacular, la expresividad pasa a segundo plano dando paso a un estilo impersonal que se acerca más al mundo de la publicidad. Gracias a sus formas fáciles y a sus contenidos que podían ser captados sin gran dificultad fue apreciado rápidamente por el público, al que le gustaba reconocer objetos de su vida cotidiana en los cuadros sin el esfuerzo que le significaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto; sin embargo, quedaron ausentes de su profunda carga de ironía y crítica.

Si bien el término Pop-Art aparece por primera vez a mediados de la década de 1950 asociado a un grupo de jóvenes pintores británicos, su apogeo llega en la década de los 60, gracias a la explosión de los medios de comunicación masivos y la sociedad de consumo, que ofrecieron una gran cantidad de imágenes sobre las cuales trabajar y un mercado favorable para los artistas.

Uno de los artistas destacados de este estilo es Roy Lichtenstein (1923-1997), pintor, impresor y escultor estadounidense, famoso por sus obras basadas en el cómic y la publicidad. Ampliaba imágenes a gran escala y las trabajaba con colores primarios muy saturados, gruesos contornos negros, formas aplastadas y los llamados puntos Benday, todas ellas herramientas propias de la imprenta para la reproducción masiva de imágenes. La crítica mundial ha valorado la obra de Lichtenstein y su éxito ha sido duradero.

Roy Lichtenstein

“M-Maybe” 1965

Magna sobre tela, 152 x 152 cm.

Museum Ludwig Köln, Colonia, Alemania.

En M-Maybe (1965) la imagen fue tomada de una viñeta de comic, posteriormente trasladada en forma ampliada al lienzo y rellenada en algunos sectores con plantillas mediante trama de los puntos Benday antes mencionados. Como en todos sus cuadros de este mismo estilo, Lichtenstein toma una situación que a simple vista parece banal y la devuelve a una esfera psicológica donde “algo pasa” y es imposible no conectarse con el sentimiento de la joven rubia de rostro esquemático. Incluso se puede ir un poco más allá: construimos el sentido de la obra imaginando una historia que puede perfectamente no estar ocurriendo, porque conectamos las características formales de la obra con el argumento de acción clásico del cómic norteamericano, es imposible desmarcarla de ello. Es precisamente este ejercicio el que explica la facilidad de comprensión del Pop-Art.

Andy Warhol (estadounidense, 1928-1987), antes de convertirse en uno de los pioneros de este estilo artístico, se dedica al diseño en el área comercial y de la publicidad. Quizás es por ello que su obra absorbe con gran facilidad la cultura popular de los medios de comunicación, los objetos de consumo, los personajes del espectáculo y las imágenes que iban desde lo banal como botellas de Coca-Cola a lo glamoroso con retratos de estrellas de Hollywood; utiliza herramientas del lenguaje visual de la publicidad como los colores llamativos, las figuras simples, la repetición y la impresión mecánica que permitía una reproducción rápida de imágenes casi idénticas. Warhol fue una figura clave en el arte del siglo XX y representa un punto de inflexión en el concepto que se tenía de artista y de la forma de hacer obra, acercándose más al prototipo de “hombre de negocios” que se autopromociona, potencia su imagen al mismo nivel que sus cuadros y llega incluso a no firmar sus obras con el fin de eliminar su impronta.

Andy Warhol

“Marilyn” 1964

Serigrafía, tinta china y acrílico sobre tela, 101,5 x 101,5 cm.

Colección particular

Cuando Marilyn Monroe se suicida ya era toda una leyenda y la mezcla del glamour de su imagen de diva del cine y la tragedia de su vida la convierte en un tema perfecto para Warhol. Su retrato de la actriz basado en una foto publicitaria introduce una técnica absolutamente nueva en el retrato: la serigrafía. A pesar de la simplificación que supone este método, los atractivos característicos de la actriz no se reducen: los rizos teñidos de rubio, los labios sensualmente pintados, los ojos estilizados por la expresión del rostro, con esa mirada tan reconocible y las cejas arqueadas, están claramente presentes en el cuadro.

Actividad (recomendada para estudiantes de segundo ciclo de enseñanza básica)

 Para comenzar la actividad se pide a los estudiantes realizar su autorretrato en forma simple, sin muchos detalles y en un formato de gran tamaño, posteriormente marcar los contornos con línea gruesa en marcador  color negro. Cuando el autorretrato esté listo, realizar en algunos sectores trama de puntos con un pincel delgado (se sugiere ayudarse con una regla) y en otros sectores pintar de color saturado. Para esta actividad solo pueden utilizarse colores primarios para acercarse lo más posible a la obra de Roy Lichtenstein. Tras eso, agregar un globo de texto que pueda completar la escena y pueda contar acerca de alguna situación o pensamiento.

Para finalizar, cada uno debe presentar su trabajo y comentar su creación propiciando la reflexión crítica entre los compañeros.